Terre d'Arnhem : le royaume des écorces peintes (Yirrkala, Maningrida, Elcho Island)

Au Nord de l'Australie, la Terre d'Arnhem qui s'étend entre le golfe de Carpentrie (à l'est) et la rivière Alligator (à l'ouest) occupe une zone de 150 000 km2 au sein de laquelle sept grandes communautés artistiques se sont constituées, très souvent autour d'anciennes missions devenues des centres urbains et administratifs : elles regroupent aujourd'hui plus de 3000 artistes - peintres mais aussi sculpteurs et artisans de toutes sortes - ; il existe une intéressante production de tissage en fibres naturelles : il s'agit - à l'est - des communautés d'Yirrkala, d'Elcho Island et de Ngukkur près de la rivière Roper. Dans la région centrale de la Terre d'Arnhem, ce sont les communautés de Ramingining, de Milingimbi et de Maningrida. Enfin, à l'ouest, Gunbalanya, située aux abords du Parc National de Kakadu.

Tantôt figuratifs (en Terre d'Arnhem occidentale), tantôt abstraits (en terre d'Arnhem orientale), les artistes de la Terre d’Arnhem ont une manière de peindre qui leur est à la fois bien personnelle mais qui se fonde aussi sur tout un ensemble de références culturelles et esthétiques communes à tous :

• le recours au support de l’écorce à la différence des peintres du désert qui utilisent la toile ;

• l’usage de pigments naturels (ocres, kaolin, charbon de bois) et non d’acrylique comme, encore une fois dans le désert ;

• motifs géométriques en croisillons qu’on appelle rarrk en Terre d'Arnhem occidentale, dhulang en Terre d’Arnhem orientale et qui de nature clanique et religieuse servent à sacraliser les représentations qu’ils décorent ;

• attention toute particulière apportée à la notion d’éclat ou « bir'yun » – terme qui désigne à l’origine la lumière du soleil, son miroitement sur les eaux ou son reflet sur les pierres et qui a fini par désigner cette énergie lumineuse que doit produire l’artiste – en particulier en jouant sur les multiples systèmes de hachures du rarrk pour donner une idée de la vie qui anime ses sujets et se communique à l’œuvre elle-même par un effet de contamination magique.

Ainsi regarder une écorce de la Terre d’Arnhem, ce n’est pas seulement voir un bel objet mais c’est aussi se laisser prendre au charme de l’hymne à la vie secrète des choses qu’elle célèbre et sentir la chaleur de l’énergie qui en procède.
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Sam TJAMPITJIN (né vers 1930)

Comme d’autres représentants de la première génération des peintres de Balgo tel Sunfly Tjampitjin (1916-1996), Sam Tjampitjin pratique un art qui rappelle par son minimalisme graphique et la sobriété de sa palette le modèle de Papunya.

On sait en effet que cette communauté servit à l’origine de modèle aux futurs artistes de Balgo à la faveur des relations entretenues entre cette communauté fondatrice de l’art aborigène contemporain et certains initiés de Balgo.

Véritable « melting pot » clanique, Balgo a toujours rassemblé des Aborigènes de cultures mythiques plus ou moins différentes dont sa peinture porte témoignage. Il en est ainsi de cette œuvre vouée à la célébration des Hommes Tingari.

C’est surtout pour les Pintupi, que ces Grands Ancêtres ont une importance religieuse centrale. Au Temps du Rêve, ils parcouraient le désert en caravane avec leurs femmes et des apprentis qu’ils initiaient aux secrets de la création à chacune de leurs étapes.

Les histoires, les lois et les coutumes qui les concernent sont parmi les plus jalousement tenues secrètes et lorsqu’un initié accepte d’en évoquer certain aspects dans une œuvre, il le fait de la manière la plus abstraite et ne livre nulle indication que topographique sur ce qui l’a inspiré.
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Dennis Nona

Dennis Nona est reconnu dans le monde comme le plus grand artiste vivant originaire du Détroit de Torres.

Né sur l'île de Badu en 1973, il apprit dans son enfance l'art traditionnel de la sculpture sur bois. Il s'est peu à peu perfectionné dans cette technique, à l’origine de ses linogravures, de ses eaux-fortes et de ses sculptures superbes et complexes, créées depuis le début de sa carrière artistique en 1989.

Dennis Nona est titulaire d'un Diploma of Art du TAFE de Cairns, d'un Diploma of Visual Arts in Printmaking de l'Australian National University de Canberra. Il termine actuellement un Masters in Printmaking à l'Université Griffith de Brisbane.

On peut admirer ses oeuvres dans les principales collections australiennes ainsi que dans plusieurs importantes institutions étrangères : la National Gallery of Australia à Canberra, l'Art Gallery of Queensland à Brisbane, la National Gallery of Victoria à Melbourne, la New South Wales Art Gallery de Sydney, l'Art Gallery of South Australia d’Adélaïde, le Museum of Contemporary Art de Sydney, le Musée des Confluences de Lyon, le Victoria and Albert Museum de Londres,la Tate Modern à Londres, le Cambridge University Museum en Grande-Bretagne et le Museum of American Indian Arts aux Etats-Unis.

Nona est l'un des pionniers dans l'art des linogravures très complexes, propre aux îles du Détroit de Torres. Il sait donner une forme visuelle frappante aux vieux mythes de son île et du Détroit de Torres dans son ensemble, légendes jusque-là transmises par les récits oraux et par les danses.

Son mode de narration est plus graphique. Au lieu de se fonder sur une seule image comme l'art traditionnel des insulaires du Détroit de Torres, il en combine plusieurs, selon la pratique des Aborigènes du continent australien. Il peut ainsi relater une histoire entière dans une seule oeuvre, en réunissant tous les personnages et tous les événements. Pour unifier son oeuvre, il introduit des motifs claniques délicatement tracés, qui rattachent le récit à son lieu d'origine. L'imagerie figurative audacieuse créée par des artistes graveurs comme Nona ont entraîné une renaissance de la culture locale. Elle joue aujourd'hui un rôle central dans le renouveau culturel et les anciens y font référence pour relater les histoires d'autrefois. Ces récits étaient en train de sombrer dans l'oubli et ils allaient être perdus pour les nouvelles générations d'insulaires soumis à la dislocation culturelle souvent imposée par l'impact de la colonisation européenne.

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Ngoia Pollard NAPALTJARRI (née vers 1950)

Ngoia Pollard NAPALTJARRI est une femme Warlpiri, née à Haasts Bluff aux environs de 1950. Elle s’est installé dans les années soixante à Papunya, là où est né le mouvement de l’art aborigène contemporain, puis à Kintore. Elle vit aujourd’hui à Mont Liebig.

Ngoia a commencé à peindre en assistant son mari, le célèbre Jack Tjampitjinpa, qui fut l’un des grands artistes de la Papunya Tula Lmtd. Reconnaissant son talent, les conseillers de cette communauté artistique l’ont encouragée à peindre seule les Rêves dont elle était propriétaire. C’est ce qu’elle fit dès 1997. Elle a obtenue en 2004 le premier prix de la troisième édition du Centralian Advocate Award 2004 puis est devenue en 2006 la lauréate du plus prestigieux prix décerné aux artistes aborigènes, le Telstra National Aboriginal and Torres Strait Art Award, catégorie peinture.

Dans cette toile, l’artiste évoque Nyruppi, le pays de son père (où il allait chasser avant l’arrivée des colons), qui se trouve au nord-ouest de Mount Liebig et dont elle a d’importantes responsabilités cérémonielles. Territoire sacré pour le people Warlpiri, ce lieu marécageux, réputé dangereux, est associé au serpent d’eau. Ngoia le représente comme vu du ciel, on parle alors de vision satellitaire. Les formes ovales qui scandent la toile représentent les myriades de marais et de lacs qui constellent cette région.
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L'art contemporain australien : art aborigène et art occidental

Stéphane Jacob, diplômé de l'Ecole du Louvre et spécialiste de l'art australien contemporain, a créé en 1996 la galerie Arts d'Australie · Stephane Jacob en France à Paris dans le XVIIe arrondissement.

Arts d'Australie · Stephane Jacob assure la promotion et la vente de peintures, d'objets d'art et de sculptures d'artistes australiens - aborigènes et occidentaux.
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